Les mascottes mignonnes, c’est mignon (sans blague). Ça donne le sourire, ça nous rend tout « aaawwww » et c’est généralement tout coloré, parfois dans des tons pastels, parfois dans des tons plus saturés, le tout avec un style simple ou légèrement plus détaillé (mais vraiment très léger).
Mais simple ne veut pas forcément dire facile. Et si vous souhaitez, vous aussi, créer vos propres personnages adorables, mignons, kawaii, allons-y pour ces 5 conseils pour créer des mascottes mignonnes !

1. Trouver la base de votre mascotte

Il existe toutes sortes de mascottes : des animaux, de la nourriture, des plantes, des objets du quotidien… Vous pouvez aussi tout simplement prendre un être humain ! Vraiment tout peut se transformer en mascotte. Vraiment, littéralement ! Il n’y a qu’à regarder Champi, ma mascotte pour la boutique ; c’est un champignon. J’ai écrit un article sur comment j’ai créé ma mascotte, mais pour faire court, la raison principale est parce que j’aime les champignons. Outre le fait d’adorer en manger, c’est surtout les formes qui m’ont plu et qui se prêtent bien à une création de plusieurs mascottes champignons.

Et cela est valable pour tout le reste ; si vous adorez les chats, les différents pelages et différentes morphologies selon les espèces peuvent vous aider à faire un choix de mascotte ; si vous adorez manger des pâtes par exemple, entre les pâtes à la sauce bolognaise ou carbonara, le caractère peut être différent et puis si vous choisissez de prendre des spaghettis, ça peut devenir des bras alors que des coquillettes, ça peut donner des petites oreilles mignonnes.

C’est la base qui va vous permettre de faire plusieurs tests, et vous n’êtes pas obligés de respecter le côté naturel de votre future mascotte : si c’est un animal à quatre pattes, votre création peut se tenir debout ou inversement (imaginez un oiseau qui se prend pour un chat…).

Faîtes ce qui vous plaît le plus !

2. Choisissez les formes qui vous conviennent

En général, quand on commence à apprendre la signification des formes en design et/ou en character-design, on nous apprend que le carré signifie la stabilité, la force, que le triangle montre plutôt un côté dynamique, du danger, et que le rond représente la douceur, le mouvement. (c’est une liste non-exhaustive évidemment, il y a bien plus de significations !)

Cependant, pour une mascotte, même s’il est vrai que cela peut s’appliquer, il est également possible de l’ignorer. Ce qui va être primordial seront le visage et les proportions de son corps qui vont le rendre mignon. Il peut très bien avoir un visage un peu carré et être adorable !

Il est vrai que le rond est souvent utilisé pour les mascottes (Puppycat dans Bee & Puppycat, Pikachu dans Pokémon ou encore les personnages de Sumikko Gurashi par exemple) car c’est une forme qui donne tout de suite cette sensation de douceur, qui rend mignon.
Pour autant, on peu noter que les formes n’ont pas à être prononcées. Nous avons par exemple Mokona, qui apparaît dans des séries de CLAMP comme Magic Knight Rayearth ou Tsubasa Reservoir Chronicle, une mascotte à mi-chemin entre l’ovale et le triangle. Et il reste mignon !

A vous de rendre le vôtre tout mignon ; en partant du choix de votre base, prenez les éléments importants pour qu’on le reconnaisse, et puis faîtes des tests en le modifiant en fonction de la forme principale que vous choisissez !

3. Ne pas mettre trop d’éléments

C’est là le piège ! Vous êtes inspiré.e, vous avez envie de le rendre complexe avec plein de détails pour montrer tous les côtés de sa personnalité… Mais c’est une fausse bonne idée !
En effet, trop de détails tue le détail. Une mascotte mimi, c’est une mascotte qui marche avec peu de détails et dont la silhouette sera reconnaissable (il n’y a qu’à voir Kero dans Card Captor Sakura, sous sa forme de « peluche » qui ne garde que le côté essentiel, il ne possède même pas certains aspects de sa forme d’origine !). Si vous ajoutez plein de détails, est-ce qu’on pourra toujours le reconnaître même en simple silhouette ? Est-ce que ces détails sont vraiment importants à mettre physiquement sur votre mascotte ? Sont-ils utiles ou simplement visuels ?

Il ne faut pas noyer votre mascotte sous plein d’éléments, sinon on ne verra plus le plus important de votre adorable personnage !

4. Faire en sorte qu’il soit facile à reconnaître, à retenir et à dessiner

Quand on pense à des jeux ou des animes qui marchent bien, il y a très souvent une mascotte qui ressort quand on prononce le nom de la licence en question. Et cette mascotte, si les personnes autour de vous s’en souviennent et peuvent même le dessiner, c’est gagné !

Et même si votre but n’est pas de faire connaître votre petit être partout dans le monde, il faut qu’il soit au moins assez simple pour vous-même de le redessiner et qu’il n’ait pas une forme de visage différente à chaque dessin ou un oubli d’un détail.

Il n’y a qu’à voir Kirby, créé par Masahiro Sakurai, qui est emblématique. Il est tout mignon, tout simple, très facile à reconnaître et à dessiner. Même les personnes qui ne s’y connaissent rien en jeux vidéos ont déjà vu au moins une fois Kirby dans leur vie, et très souvent, s’en souviennent. Ou alors ils disent juste « ah la boule rose là ».
S’ils s’en souviennent, ce n’est pas juste par sa caractéristique rose, mais parce qu’il est justement très simpliste. Tout le monde peut le reconnaître et le dessiner dans la marge de sa feuille ou dans son carnet en étant au téléphone. C’est une mascotte qui donne la joie de vivre et qui est facile à identifier. A vous de trouver votre propre Kirby !

Petite précision ; il n’y a pas toujours de mascotte partout, ou alors la mascotte est plutôt le personnage principal, qu’on verra surtout comme le personnage emblématique (comme dans les jeux de Fire Emblem par exemple, avant l’apparition de Lilith dans FE Fates et Sommie dans FE Engage, il n’y en avait pas et on prenait toujours les personnages principaux comme représentatifs de leur jeu, idem pour beaucoup d’autres jeux ou animes).
Ça, ou alors un personnage mignon qui accompagne le héros/l’héroïne sans pour autant avoir les codes classiques du petit être vivant mignon qui arrive de nulle part, comme Nezuko dans Demon Slayers par exemple.

5. Choisir entre deux à quatre couleurs maximum

Tout comme les détails, il est tentant de mettre plein de couleurs pour le rendre coloré et douillet. Mais pour qu’une mascotte soit vraiment mimi et bien reconnaissable, il est généralement recommandé de choisir une couleur principale (son corps par exemple), une couleur secondaire pour les éléments (comme une crinière, le ventre etc) et pourquoi pas une troisième couleur pour tout autre élément additionnel (un accessoire, des tâches sur son pelage…).

En regardant un peu tout ce qui se fait, vous verrez que les mascottes sont reconnaissables très facilement de part les formes, bien sûr, mais également via les couleurs car elles sont très peu nombreuses ou alors l’association des couleurs est facile à retenir et à associer  à votre mascotte.
Dans les personnages de Sumikko Gurashi par exemple, il y a un dinosaure bleu dont les piques sont d’un bleu plus foncé, et c’est tout ! Même Paimon dans Genshin Impact n’a que trois couleurs au total (en ne comptant pas la couleur de la peau, évidemment) !

L’important c’est que vous aimiez les couleurs de votre mascotte ! Faîtes plusieurs essais de couleurs, puis revenez dessus plus tard, peut-être qu’une idée sortira du lot ou qu’au contraire, une autre idée viendra à vous !

Mot de la fin

Vous êtes maintenant paré pour créer la meilleure mascotte de tous les temps ! Si vous avez créé votre mascotte, n’hésitez pas à nous le montrer ici ou sur les réseaux sociaux !

Nous envahirons le monde ensemble avec des mignonneries. 😌

Introduction

Je vous propose ici 8 astuces de dessin qui viennent en complément de l’article des « 6 conseils pour apprendre à dessiner ».
Ce sont des astuces un peu en vrac que je ne savais pas trop où mettre, et l’article précédent était déjà bien trop long pour que je rajoute cette partie en plus.
C’est parti !

1. Se servir de la ligne d’action

Pour rendre un dessin dynamique, vous devez utiliser ce qu’on appelle la ligne d’action. Cette ligne va donner la direction et la courbe que le croquis de votre dessin prendra. Par exemple, vous commencez à placer la forme de la tête, puis juste après, vous tracez la ligne et la direction vers laquelle vous voulez que votre personnage aille.

Même si ce n’est pas « réaliste », en dessin on peut « tricher » quelque part. Étant donné qu’on est sur un support plat, il faut exagérer les mouvements et les poses pour que le cerveau puisse interpréter le dessin comme dynamique ; un corps plus courbé que la normale, une démarche avec de très grands pas et les bras relevés, un sourire qui s’étire sur toute la longueur des joues…

2. Commencer avec ce que vous aimez le plus

Si vous ne savez pas par quoi commencer, dessinez ce qui vous intéresse le plus ! Qu’est-ce que vous aimeriez savoir dessiner en premier ? Chaque artiste a un domaine de prédilection, dans lequel il est plus à l’aise et/ou avec lequel il a commencé avant de s’intéresser à autre chose (par exemple commencer avec le dessin de personnages, puis se mettre au décor et paysage, ou inversement. Ou encore commencer avec les animaux puis finalement faire des personnages aussi).
Le plus important (et parfois le plus dur), c’est de s’y mettre !

3. En cas de panne d’inspiration

Si vous ne savez plus quoi dessiner, faîtes des dessins chronométrés de 10min. Certaines poses peuvent vous inspirer, ou alors cet échauffement va vous motiver pour travailler sur un dessin plus grand que vous souhaitez réaliser !
Vous pouvez également faire des croquis totalement aléatoires qui ne représentent pas forcément quelque chose de concret, juste pour que vous puissiez vous amuser avec les formes. Peut-être qu’une idée de dessin va apparaître juste parce que la silhouette de votre forme va vous faire penser à quelque chose !

Et une autre méthode aussi… C’est de revenir sur vos anciens dessins, voir ce que vous avez dessiné avant. Peut-être qu’une idée que vous n’avez jamais exploitée sera la solution de votre panne d’inspiration, ou qu’un personnage que vous aimiez bien reviendra pour devenir le personnage principal de votre nouvelle histoire !

4. Quand vous n’arrivez à rien…

Si vous ne sentez pas la motivation ou l’inspiration, et que malgré vos efforts pour vous y mettre vous n’y arrivez pas, ne forcez pas. Parfois, vous aurez besoin d’une pause, qu’elle soit de courte ou de longue durée, l’important est de faire cette pause.

Le dessin peut être vraiment addictif et plaisant, mais comme tout loisir ou travail, à un moment donné vous aurez peut-être besoin de faire autre chose pendant un certain temps (d’autres activités manuelles, aller voir un film, sortir prendre l’air, faire de la cuisine ou de la pâtisserie, faire du bricolage, faire du rangement…). Et pendant cette pause du dessin, vous ne perdez pas de temps contrairement à ce qu’on pourrait penser : faire autre chose qui n’a rien à voir peut vous rebooster pour reprendre votre illustration ou vos croquis, vous donner de nouvelles idées, ou même vous donner un regard nouveau sur ce que vous travaillez ou votre vision de vos créations.

On ne peut pas toujours être au top de notre forme, même côté créativité !

5. Analyser les illustrations des autres

Analysez les dessins d’artistes que vous aimez. Si un style vous plaît, si la façon de peindre vous plaît, observez les traits et essayez de votre côté ! On en apprend beaucoup à force d’analyser les dessins des professionnels ou d’artistes que l’on admire. De même, si un artiste fait des timelapses ou speedpaints (des vidéos accélérées d’un dessin qui montre du croquis au final) cela peut vous aider à voir comment il procède pour son croquis ou la mise au propre par exemple.

Dans cet article, je vous parle d’artistes qui m’inspirent, et la plupart font des timelapses que vous pouvez voir si jamais ça vous intéresse ! De même, j’en ai fait quelques uns que vous pouvez voir sur mon Instagram ou en Youtube shorts.

6. Toujours avoir un carnet de croquis avec soi

Qu’est-ce qu’on nous a répété ça durant mes années d’études ! (les professeurs en pouvaient plus, on aurait dit des parents qui demandaient à leur enfant de ne pas oublier leur goûter)

Il est important de pouvoir dessiner dès que vous en ressentez le besoin (dans la mesure du possible évidemment), c’est pourquoi un carnet dans votre sac est toujours bienvenue ! Si jamais vous avez un imprévu et que vous devez patienter pendant une demie-heure sans savoir quoi faire, pourquoi pas vous poser quelque part et faire quelques croquis rapides ? Qui sait, peut-être que ça va vous donner une idée de dessin à faire et que vous allez aimer !
Ou alors si vous avez une idée incroyable qui vient de se loger dans votre tête, vous pourrez le retranscrire directement dans votre carnet au lieu de vous dire « je vais la noter en rentrant » mais finir par oublier… (oui… c’est du vécu)

7. Prendre des photos

Dans l’article précédent, on parlait de prendre des photos de référence pour pouvoir les utiliser plus tard pour nos dessins.
Mais ici, c’est plutôt prendre des photos juste pour le plaisir d’en prendre ! Vous verrez qu’avoir l’habitude de prendre des photos vous donne une autre sensation de création. Cela va vous aider à voir et comprendre la composition d’une photo : vous avez un cadre qui délimite votre champ, tout comme la feuille sur laquelle vous dessinez. Si vous prenez un paysage ou des objets sur un bureau en photo, en fonction de l’endroit où vous êtes ou de ce que vous décidez d’inclure dans votre cadrage, l’ambiance et la vision des choses ne seront pas les mêmes !

8. Garder tous les dessins, même les « ratés »

Il est si tentant de jeter ce qui ne nous plaît pas et de l’oublier à tout jamais. Pourtant, il est important de garder tout ce que vous faîtes pour la simple et bonne raison que lorsque vous reviendrez dessus plus tard, vous verrez votre évolution ! Oui, c’est bon pour l’ego. Et c’est aussi bon pour la confiance en soi, parce que vous verrez à quel point vous aurez progressé et le parcours que vous aurez fait ! En plus, peut-être qu’aujourd’hui un croquis en particulier ne vous plaît pas, mais dans deux ans vous allez retomber dessus et vous dire qu’au final, il est pas mal et que vous pouvez le retoucher pour le mettre au goût du jour !
Parfois l’inspiration, c’est aussi se replonger dans les anciennes idées. 😄

Mot de la fin

Et voilà pour mes 8 astuces de dessin ! Ce sont des choses que j’ai beaucoup entendu à droite à gauche et durant mes années d’études en animation numérique, j’espère qu’elles vous ont été utiles !

Est-ce que vous avez des astuces à partager également ? Si oui, n’hésitez pas à les écrire dans la section commentaires ! 🤗

Bon dessin, et amusez-vous ! ✨

Introduction

Comment apprendre à dessiner, ou, dit autrement, « ce que j’aurais aimé savoir quand je me suis lancée ». (pour les débutants)

Pour les personnes qui dessinent depuis longtemps, vous avez sûrement déjà entendu cette question à maintes reprises : « comment tu as appris à dessiner ? »
Je vais tenter de répondre à cette question de manière simple avec tout ce que j’ai pu apprendre jusqu’à aujourd’hui !

Je suis loin d’être une professionnelle ou une enseignante. J’ai surtout appris par moi-même de manière générale, et les 3 années d’études en animation numérique m’ont beaucoup aidée à avoir des bases que je n’avais pas. Je vous rassure tout de suite ; il n’est pas nécessaire d’entrer dans une école d’art pour apprendre à dessiner ! Il y a tellement de vidéos et de tutoriels partout sur internet que vous pouvez apprendre énormément de choses, sans oublier tous les artistes qui postent leurs illustrations et que vous pouvez voir et analyser (j’ai fait une liste non exhaustive d’artistes que j’aime bien dans cet article si ça vous intéresse !). Et tout ça, gratuitement !

Le fait d’être dans les études incite à avoir une régularité, donc si le professeur donne plein d’exercices à faire chez soi pour le rendre la semaine d’après, c’est sûr qu’il y aura une progression plus constante et surveillée (avec les retours du prof rapidement) qu’en autodidacte ! Pour autant, savoir dessiner est à la portée de toute personne ayant l’envie et la motivation, il suffit juste d’une feuille et d’un crayon pour démarrer (ou dans les marges de vos notes de cours, je vous vois là… j’étais pareille, oups), mais surtout beaucoup, beaucoup de patience et de persévérance, car c’est une compétence qu’on acquiert d’année en année et dont les résultats ne se voient pas toujours tout de suite.

Aller, c’est parti pour les 6 conseils ! 💪

1. Observer son environnement

Cela paraît basique et acquis, et pourtant ! Nous voyons et observons naturellement les choses dans la vie, mais observons-nous réellement l’essence de ce qui nous entoure ?

Et là vous allez me dire « ouh la, elle part loin là, à parler d’essence… Je veux juste dessiner ! ». Et je vous comprends, parce qu’à mes débuts je ne voyais absolument pas ça de cette façon !

Mais en réalité c’est bien plus simple que vous ne le pensez. Par essence, je veux dire le « tout ». Si vous observez un paysage, comment voyez-vous les troncs d’arbre, le feuillage, les brindilles sur le sol ou l’eau qui ondule et reflète la lumière ? Quelle est l’atmosphère qui se dégage de ce que vous voyez ? Où se situent les ombres et les lumières ? Comment reflète chaque objet ou être vivant la lumière ? Qu’en est-il des différentes matières ? Comment comprenez-vous les volumes des objets que vous voyez (si vous deviez simplifier un t-shirt par exemple, ce serait comme un carré avec deux moitiés de cylindres sur les côtés) ?

C’est par là que j’appelle « l’essence », le « tout ».

Nous avons trop l’habitude d’aller vite dans la vie quotidienne, et il nous arrive de rater des éléments qui paraissent pourtant si évident ! (et je vous rassure, quand je me suis rendue compte de certaines choses, je me suis sentie un peu bête)
Bien observer son environnement, c’est aussi comprendre comment les choses fonctionnent, car rien n’est au hasard ; selon l’endroit où arrive la lumière, les ombres et l’ambiance ne seront pas pareilles. Et ça va vous aider pour la suite !

2. Utiliser des références

Qu’est-ce qu’une référence ?
Une référence, c’est ce sur quoi vous allez vous baser pour faire votre dessin. Par exemple, si vous ne savez pas dessiner une main dans un angle précis, vous ne pouvez pas l’inventer ou l’imaginer puisque, de base, vous ne savez pas à quoi ça ressemble (et vous pourrez essayer autant de fois que vous le souhaitez, le final ne sera pas bon tant que vous ne savez pas comment se dessine une main et comment la composer). Et c’est là que la référence arrive ; que ça soit des photos sur internet ou que vous avez pris vous-même en vous baladant, des photos des membres de votre famille ou votre propre corps, c’est ce qu’on appelle des références. (ou des modèles si vous préférez )

Et c’est bien évidemment valable pour tout, que ça soit des animaux, des coupes de cheveux, des paysages, des lieux, des êtres humains, des pliures de vêtement, la lumière, etc.
Le but est d’apprendre via ce qu’on voit, et à force de les observer et d’apprendre, mais aussi d’entraîner son coup de crayon, on finit par connaître quasiment par cœur la base, d’où le fait que certains artistes ne dessinent pas forcément avec des références !

Si quelque chose vous donne du fil à retordre, prenez votre carnet de croquis et faîtes-en plein avec des références ! Les mains par exemple sont assez récurrentes dans les difficultés en dessin ; n’hésitez pas à faire une page ou deux de temps en temps avec seulement des mains et en vous basant sur des photos ou vos propres mains, dans le but de comprendre comment elles s’articulent.

Et ce n’est pas du tout « de la triche » de travailler avec des références, il est normal de se baser sur la vie pour créer de la vie ! On ne peut pas dessiner quelque chose sans savoir à quoi elle ressemble.
Si vous me demandez là, maintenant, tout de suite de dessiner de tête un cheval, vous pouvez être sûr que mon dessin va ressembler à un poney de la série Mon Petit Poney. Donc pas un cheval du tout, avec les bonnes proportions, les bonnes formes, parce que je ne sais pas dessiner les chevaux. 🐴

Le dessin, c’est beaucoup d’observation, mais aussi beaucoup d’essais. Et pour bien réussir, il faut des bases solides : il faut donc utiliser les références autant que possible !

3. S’entraîner avec des dessins de 10min

Et là, celles et ceux qui ne l’ont jamais fait se disent peut-être « mais j’arrive même pas un dessin tout court, alors un dessin en 10 minutes ?! ». Pas de panique, j’ai pensé la même chose la première fois que mon professeur a donné cet exercice à la classe ! (et c’était pas fameux)

Exemple d’un des premiers exercices en cours… C’était clairement pas fou !
(c’était du 5min je crois)
Il me semble que c’était le prof qui posait pour nous ici, c’était rigolo.

Le principe est de prendre plusieurs photos de référence de personnes (ou d’autres sujets si autre chose vous intéresse) ou d’avoir des modèles vivants (quand vous êtes dehors, dans une salle d’attente, dans le métro ou posé(e) dans un parc) et ne faire qu’un croquis de 10 minutes top chrono de ce que vous voyez (ou même 5 minutes quand vous serez plus à l’aise avec l’exercice).

Le but ici n’est pas de bien dessiner avec les détails, mais de comprendre les formes et les volumes de ce que vous voyez. C’est en vous entraînant aux volumes que vos dessins paraîtront bien plus vivants et justes ! Et pour ça, il faut entraîner votre cerveau à analyser rapidement l’essentiel et le poser sur papier, avec un crayonné ferme et rapide : pas de petits coups de crayons hésitants, il faut y aller franco ! De cette façon, vous allez créer l’aspect général de votre dessin et voir si cela vous convient/est le plus juste possible avant de passer aux ajustements/détails. Donc si vous dessinez une personne en train de marcher dans le parc, il faut pouvoir la dessiner assez vite avant qu’elle ne quitte votre champ de vision !
N’ayez pas peur de crayonner un maximum et, surtout, n’utilisez pas votre gomme ! Gomme interdite ici, car vous n’allez pas faire d’erreurs, juste des exercices !

Quelques cours plus tard… Toujours pas de gomme et un peu plus d’aisance ! Un peu.
(là je ne me souviens plus, c’était du 10 ou 15min)

Cet exercice est très bien, car c’est poser les bases du crayonné (ou aussi appelé sketch) ; il n’a pas à être beau, il doit être juste. Donc faîtes autant de coups de crayon que vous avez besoin pour faire vos formes et vos volumes, car c’est votre base. Et cette base va vous permettre de mieux réussir votre mise au propre du dessin. Sans crayonné au préalable, il vous sera difficile de réussir à faire un bon dessin. Pensez d’abord qu’il faut faire un bon dessin avant de faire un beau dessin ! C’est comme étudier l’anatomie humaine ; si on ne la connaît pas ou ne la comprend pas, elle ne peut pas être juste et donc forcément, ce ne sera pas le résultat que vous attendiez (d’où le fait que l’on parlait de références et de l’exemple de la main un peu plus haut).

Cette méthode est valable pour dessiner votre propre personnage ; si vous souhaitez le dessiner dans une pose en particulier (en fonction d’une référence que vous aimez par exemple), il va vous falloir faire le crayonné pour être sûr(e) que les proportions soient bonnes et que l’ensemble vous plaise. Si ça ne vous plaît pas, ce n’est pas grave puisque vous avez juste fait un crayonné (vous n’avez donc pas perdu de temps) et si ça vous plaît, hourra, vous passez à la suite !

Exemple de site proposant des poses/références : AdorkaStock

4. Essayer d’autres supports et techniques

Si vous êtes à l’aise avec le dessin sur papier ou, au contraire, n’aimez pas trop, pourquoi pas tenter la peinture ? De l’encre de Chine ? Des marqueurs sur post-it ? De l’aquarelle ? Du dessin numérique ?

Tester divers supports, c’est aussi une façon de s’entraîner et de sortir un peu de notre zone de confort. Cela aide à se renouveler également, car le support n’étant pas le même, il va falloir trouver des astuces différentes ! Et cela peut bien évidemment vous aider pour votre support préféré quand vous y reviendrez par la suite.

Une technique apprise avec un support peut être utilisé pour un autre ! Par exemple, je dessine beaucoup au numérique, et il m’arrive parfois d’arriver à saturation. Et j’adore l’aquarelle, donc hop je repasse au traditionnel (petit dessin sur papier comme avant) et là, mélanger les couleurs devient super amusant ! J’utilise des couleurs que je n’utilise habituellement pas sur ma tablette, et les mélanges de couleurs me montrent que je peux faire des mélanges sans que ça paraisse étrange. Et ce genre de mélange de couleurs, hop, je peux le refaire sur tablette ! (avec une technique différente puisque ma colorisation numérique est un peu plus axée peinture et avec des ombres parfois plus fortes qu’avec de l’aquarelle)

Passer d’un support à l’autre m’a aidée à être plus à l’aise avec l’utilisation des couleurs. Et c’est aussi une façon de comprendre qu’en dessin, nous pouvons parfaitement mettre des ombres bleues dans des vêtements blancs ou de la lumière jaune sur quelque chose de rouge par exemple. Rien n’est fixe, et vous pouvez vous amuser avec les couleurs et faire un tas de mélanges et tester plusieurs associations afin de trouver ce qui vous correspond !

5. S’intéresser à d’autres choses

Pendant longtemps je ne m’intéressais qu’aux dessins numériques et aux films d’animation, et rien d’autres. Sauf que ce n’est pas forcément une bonne chose si on veut développer son imagination et son univers.

Des films d’animations, des bande-dessinées, comics et mangas, c’est bien, mais qu’en est-il des films en prise de vue réelle, du théâtre, des séries, des jeux vidéos, des romans, du sport, du crochet, de la poterie, de la musique… ? 🎹

Ça n’en a pas l’air, mais exercer diverses activités permet de ne pas se fermer dans ce que l’on connaît, ce qui nous permet de créer des choses différentes et d’avoir envie de dessiner différemment (si vous aimez un acteur en particulier, ça peut vous donner envie de le dessiner davantage et, sans vous rendre compte, vous améliorer là-dedans !). Cela nous permet d’élargir nos connaissances, et en plus nous donner de nouvelles idées, que ce soit en matière de personnage, scénario, univers, ou simplement un petit détail qui nous a plu et qui va nous donner envie de se lancer dans une BD par exemple ! Ou dans de l’animation peut-être !

C’est aussi une façon de sortir du dessin puis de revenir dedans avec un point de vue différent ou nouveau. Très souvent, refaire du dessin après avoir fait d’autres activités permet d’apprécier encore plus la création !

6. S’exercer

« C’est en forgeant que l’on devient forgeron. » Vous avez sûrement lu et entendu ça partout à maintes reprises, mais c’est bel et bien de cette façon que l’on devient meilleur dans le domaine choisi. On en peut pas être bon en dessin si on ne dessine pas.

C’est un processus long, on ne voit pas toujours les résultats tout de suite, et je sais que dans le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui, on veut tout rapidement et tout de suite. Sauf que le dessin, tout comme n’importe quel domaine d’ailleurs (apprendre une langue, savoir chanter, savoir cuisiner, jouer d’un instrument de musique, écrire un livre…), prend du temps. Il faut savoir se laisser le temps d’apprendre et de comprendre, et surtout de s’entraîner. ✍️

Bien sûr, si vous dessinez beaucoup chaque semaine, vous allez progresser bien plus vite que si vous ne dessiniez qu’une fois par mois. Le tout est de ne pas abandonner. Vous allez parfois vous retrouver avec des périodes où vous trouvez vos dessins nuls, parfois vous allez adorer ce que vous ferez, parfois vous aurez besoin de prendre une pause d’un mois ou deux ou même plus, et c’est normal, tout cela fait parti du voyage. A force de vous exercer, vous trouverez votre rythme et vous finirez par atteindre le niveau que vous désirez.

Bonus : pour aller plus loin

Un autre article qui vient en complément de celui-ci est dipsonible ! Il s’intitule “8 astuces de dessin”.
Je ne vous l’ai pas mis dans cet article afin de ne pas surcharger la lecture.